В ГМИИ им. А.С. Пушкина 10 октября 2017 года открылась выставка графических работ крупнейших представителей австрийского искусства начала XX века Густава Климта (1862–1918) и Эгона Шиле (1890–1918). Выставка проходит в рамках Года туризма Россия – Австрия 2017, который был анонсирован в Вене 12 января 2017 года.

На первой в России масштабной выставке произведений Климта и Шиле представлено около 100 листов из собрания музея Альбертина (Вена) – 47 работ Густава Климта и 49 – Эгона Шиле. Эти работы относятся к разным периодам творчества художников и представляют разные типы рисунка – этюды фигур, связанные с живописными работами, портреты, самостоятельные этюды обнаженной женской модели и т.п.

Кураторы выставки знакомят с основными этапами творчества выдающихся австрийских художников, оказавших значительное влияние на мировое искусство на рубеже XIX и XX столетий.

Используя традиционные графические техники – черный мел, графитный карандаш, акварель, гуашь, – художники решали новые эстетические задачи.

Густав Климт, главный представитель венского модерна, пользовался репутацией феноменального рисовальщика, который обеспечил себе совершенно особое место не только в австрийском, но и в мировом искусстве. Его рисунки оказали влияние на творчество более молодых художников, в первую очередь – Эгона Шиле, который начинал карьеру в то время, когда Климт уже достиг вершины своего творчества. Усвоив опыт своего предшественника, Шиле очень рано обрел собственный неповторимый стиль, который знаменовал переход от модерна к экспрессионизму.

Работы Густава Климта и Эгона Шиле появились в Альбертине еще при жизни художников. За сто лет количество рисунков Климта в собрании музея достигло 170, а Шиле – 140; к этому можно добавить около 40 листов, поступивших в Альбертину на долговременное хранение.

Рисунки Климта пользовались огромной популярностью среди знатоков искусства и коллекционеров в годы непосредственно до и после его кончины (художник ушел из жизни в 1918 году). Со временем Климт-рисовальщик оказался в тени Климта-живописца, но в наши дни изучение его графического наследия позволило в полной мере оценить роль рисунка в творчестве мастера. После смерти Климта в его ателье осталось около 2500 рисунков – то, что не было им самим продано, раздарено или уничтожено. Всего же в настоящее время известно более 4000 рисунков художника.

Значительная часть рисунков Климта связана с тем или иным живописным произведением мастера. Сам художник практически никогда не высказывался о своих творческих замыслах ни устно, ни письменно. Именно рисунки позволяют понять метод его работы, процесс создания картины или росписи. Климт уделял большое внимание подготовительным этюдам для каждой фигуры в своих многофигурных живописных композициях. Иногда возникали целые серии, посвященные одному и тому же мотиву или позе.

Обширную категорию рисунков на выставке составляют этюды для женских портретов (портреты Серены Ледерер, Паулы Цукеркандль и др.). В этих подготовительных работах Климт стремился найти такую позу модели и такую композицию портрета в целом, которые наилучшим образом выражали бы личность портретируемой через призму восприятия художника.

Климт произвел революцию в изображении обнаженной женской натуры. В откровенной трактовке эротики он в своих рисунках пошел гораздо дальше, нежели в живописи. Некоторые этюды такого рода возникли в связи с работой Климта над живописными композициями, но большая их часть имеет автономный характер («Лежащая обнаженная»).

Графический стиль Климта претерпевал изменения на протяжении его жизни. Ранние рисунки демонстрируют основательную академическую выучку; они отличаются почти фотографической детализацией. Но в них уже проявляется то, что станет константой графического стиля Климта – главенство линейного начала, выразительность контура, в котором точность соединяется с чувственностью. Отдельную страницу в наследии Климта составляют рисунки для журнала «Ver Sacrum» (1898), построенные на контрастах черного и белого («Буквица D»); они могут считаться эталонными образцами стилистики модерна в графике. Со временем в его работах усиливается элемент стилизации и геометризации формы.

Приблизительно с 1897 года Климт рисовал черным мелом на листах коричневой оберточной бумаги, а позднее, около 1903–1904 годов стал использовать более гладкую японскую бумагу в сочетании с графитным карандашом («Сидящая полуобнаженная»). Жесткие и точные линии графита, следы которого обладают легким металлическим блеском, определяют характер рисунков, которые хронологически соответствуют «золотому стилю» в живописи («Стоящая обнаженная, беременная») В последующие годы (примерно после 1908 и особенно после 1910) в рисунках Климта намечается перелом в сторону большей свободы, раскованности и «живописности» линий, которые временами становятся прерывистыми и нервными, передающими внутреннее волнение художника («Стоящая с опущенными руками»).

Рисовальный стиль Климта, основанный на выразительности контурной линии, стал образцом для Эгона Шиле. Опыт декоративной стилизации натуры, накопленный венским модерном, был переосмыслен и применен для решения новых задач, поставленных эстетикой экспрессионизма.

Cам Шиле считал себя в первую очередь живописцем и хотел, чтобы таковым его и воспринимали. Однако в глазах многих критиков и любителей искусства Шиле-рисовальщик нередко заслоняет собой Шиле-живописца. Линия и контур играют настолько существенную роль в живописи Шиле, что рисунок может считаться основой его живописных работ. Он оставил около 3000 работ на бумаге – рисунков, акварелей, гуашей.

Представленные в экспозиции самые ранние рисунки Шиле, относящиеся к 1906 году («Автопортрет», «Бюст Вольтера») задают точку отсчета, позволяющую оценить стремительную эволюцию, которую претерпело его творчество в последующие годы. Серия эскизов почтовых открыток (около 1909) свидетельствует о том, что к тому времени художник уже освоил стилистику Сецессиона и Венских мастерских, которая отличалась декоративностью и геометрической стилизацией; в этот период он находился под сильным влиянием Густава Климта.

Но начиная со второй половины 1909 года Шиле постепенно освобождается от этого влияния; в 1910 году он окончательно обретает свой собственный оригинальный стиль. На смену декоративности и элегантности приходят экспрессия и эмоциональная напряженность («Художник Макс Оппенгеймер»). Экспрессивный контур становится главным средством выразительности в рисунках Шиле. Переход от модерна к экспрессионизму был ознаменован отрицанием «красоты» в трактовке идеалистической эстетики; он означал стирание границ между прекрасным и безобразным. Пределы искусства расширяются, оно вбирает в себя то, что раньше считалось антиэстетическим («Сидящая женщина»). В своих акварелях и гуашах Шиле использует цвет для усиления эмоционального воздействия произведения. В некоторых работах 1913 и 1914 годов штрих становится угловатым и «колючим».

На протяжении последующих лет (1915–1917) в рисунках Шиле нарастает тенденция к реализму, к передаче объема и пластики («Обнаженная, лежащая на животе»). В рисунках 1918 года культивируется непрерывная линия контура, очерчивающая сразу всю фигуру – чистый контур, лишь иногда местами дополненный скупой штриховкой. Шиле достигает безошибочной точности линий, лаконизма и экономии изобразительных средств («Лежащая обнаженная с поджатыми ногами»).

В период около 1910–1911 годов Шиле часто и охотно рисовал детей – их изображения относятся к числу первых экспрессионистических работ Шиле («Девочка в охристо-желтом платье»). В наследии Шиле-рисовальщика много портретов; очень часто это люди из его «ближнего круга».

Совершенно особый феномен в истории искусства – многочисленные автопортреты Шиле. Художник создает разные образы самого себя, примеряет «маски», разыгрывает роли, гримасничает; в некоторых автопортретах он изображает себя обнаженным. Все это – визуальные символы хрупкости своего «я», распадающегося на несовместимые составляющие. Шиле придавал большое значение экспрессивным жестам, позам и мимике – своим собственным (в автопортретах) и своих персонажей. Язык тела у Шиле придуман и инсценирован им самим; позы моделей не являются естественным проявлением реальных эмоций, а продиктованы художником («Автопортрет в обнаженном виде, гримаса»).

Значительная часть работ Шиле на бумаге посвящена женским моделям, чаще всего обнаженным. Подобно Родену и Климту, он рисовал женщин у себя в ателье, наблюдая за их поведением. Для Шиле не было запретов при изображении женщин. Все табу были сняты. Предельная откровенность в трактовке эротических мотивов была возведена в эстетический принцип («Сидящая обнаженная»).

Фигуры в рисунках Шиле вырваны из социального и бытового контекста, помещены в абстрактное поле листа, где отсутствуют какие-либо ориентиры; его персонажи существуют вне времени и пространства.

В наследии Шиле-рисовальщика совершенно особое место занимают тринадцать акварелей и рисунков, сделанных им во время тюремного заключения весной 1912 года, которое он пережил как оскорбительное посягательство на свою свободу; из них на выставке показываются два листа («Наружная дверь», «Мой путь пролегает над бездной»), имеющие характер подлинных документальных свидетельств.

Выставка открыта до 14 января 2018 г.
Билеты можно приобрести на сайте или в кассах музея.